About a year ago I had met the visual artist Henthorne at Williams McCall Gallery as part of a collective exposition around Art Basel. His work featured on that occasion was BETWEEN WORLDS. The ethereal atmosphere of his white and black photographs captivated my mind.
We kept in touch and after being able to match his busy schedule, we were able to talk about what drove him to photography, his creative process and his current and future projects.
How did you got involved with photography?
Henthorne: I first got involved with photography in college. Certainly as a novice amateur but it always piqued my interest. As I started traveling abroad (after college) I started to develop a real passion…. to take better pictures. I started sharing my images from my journeys and slowly but surely a few people came forward and wanted to purchase one of the prints. I never started off with that intention but this is where everything started. Once that happened I decided I really needed to up my skills…. this is when I got super serious about my work…. Circa 2000. Things developed and progressed over the next five or six years to where I ultimately left the corporate world of software and IBM and decided to follow my passion full time. I went pro in 2006….
Do you consider your place of birth and the time you were born affected your view of the world? How?
H: Not so much the place and time but more about my parents and my siblings. As a child growing up, my parents traveled with me and my siblings extensively. Most Summers were spent gallivanting around the United States typically in Yellowstone or on the West Coast or in some awesome national park. I think I had been to the majority of the States by the time I was ten years old.
Extensive travel growing up has totally shaped who //what //and how I am today. It was this early travel and exploration that has led to my desire to see the rest of the world as an adult. More importantly my photography is all about sharing my Journeys and Explorations with others. That IS how it all started…. and continues to be the driving force behind my artwork.
Your work shows a preference for black and white, why is it that color is not part of your work?
H: For me black and white provides more depth for artistic expression. as you can see from my photographs from my artwork my images tend to be minimalistic… they also tend to play on abstraction. When I “bend” time with my technique… it usually creates this alternate reality. And I like that reality to be all about the composition. Put simply a black and white image last 1/2 Superior composition to hold the viewer’s attention.
With color there’s nothing wrong with it, but you can definitely get by with a less-than-perfect composition. In my mind, Bright and shiny colors are almost cheating.
For many reasons, black and white has always resonated with me the most for these images. So many years ago I made the commitment to go down this road. And it IS A ROAD I LOVE.
Water is a recurring theme, why did you chose this approach?
H: I’m always reminded of the quote from Arthur C. Clarke: “How inappropriate to call this planet Earth when it is quite clearly Ocean.”
Water is everything. It’s a central part of my life so certainly is my passion and why it’s always a recurring thing. I find this intersection of ocean on earth to be this challenging place. This epic battle and struggle between the ocean eventually eroding, taking away and moving things back to where they started. For me being in on or around the water is what makes me get up every day and go do what I do. There’s this Zen calmness that setting on the edge of the ocean brings… and watching… smelling… seeing… feeling… huge waves come in… It invokes all the senses. That feeling is what I live for.
Interaction between outdoor land and water elements are carefully chosen. What is your process prior to shoot your location?
H: Great question thanks for asking. I think people naturally assume… wow, I just get lucky (often)… but the reality is there’s months of planning that go into each one of my series well before I step on a plane.
My primary tool for this is Google Earth. I’ve been a user from the beginning when it first came out. So you can imagine how obliterated my map is with “pin drops”. When I notice a great location, I drop a pin. I have been doing this for a very long time.
So in reality, I typically have 5 or 6 trips that are 80 to 90% planned at any given time. That didn’t happen overnight. That happened over years. Once a destination is funded… The real planning starts. That last 10-20% of the location scooting takes several weeks of focus only on that solo destination. Lots of logistics.
On my maps many locations are pinned. Each pin requires a visit in person to determine if it has all the elements I am looking for. After years of doing it this way, most of my location selections are great, but there are always a few that just don’t work out for some unforeseen reason.
Once a location is in final selection… it’s time to shoot. It becomes all about the right weather the right timing of light and the right tide. Weather is a huge factor, sometimes it only takes me one day to get the shot. Other times it takes an entire week… just to get one of these images that you see in my final artwork
Your imagery has a monumental point of view and a lack of human figure, is this a statement to show how small humans are compared to the rest of the world?
The lack of having human figures in my artwork has very little to do with humans and everything to do with the ocean. My ocean and earth theme is all about the ever-present body of water and its relentless ability to conquer everything in it. Whether it’s man-made or a natural element the ocean always wins, it always conquers.
Additionally, I want that simplicity and that minimalism in the images. I’d love to have a human figure in some of these…. just to provide some sense of perspective. Some sense of scope and vastness. But I’ve chosen to leave that out and just let the elements speak for themselves.
Simplicity…
We always portray the artist’s work as a solo endeavor. How important is for an artist to collaborate with others? I am thinking specifically about BETWEEN WORLDS with Andres Amador.
H: As an artist, I had been working solo exclusively. In the early part of 2014…. It occurred to me that a collaboration with other artists could be tremendous. My thought was …. perhaps 1+1 …could equal 3? Meaning two artists working together to create something that was more than either of them could create individually.
I decided to literally make a list of other artists I would like to work with. I slowly started to reach out to a few and instantly two projects were on the docket. Ocean & Earth – Iceland… a project that is being released Nov9th… with an amazing Cinematographer and producer by the name of Brad Kremer. The second project was Between Worlds with the world-renowned earthscape artist Andres Amador. The Between Worlds project on the rugged coast of Northern CA… was a major endeavor… as it took us about 6 months to finish.
I will say this, collaborating with another artist is a very tricky affair. It requires true collaboration. I can tell you from both of these projects that we all grew from the experience. Working with another artist pushed us to to put our egos on the side…. and just create. The experience enchanced us creatively and we all gained from the collaboration.
I am planning future collaborations with other amazing artists. Additionally, Amador and I are open to Between Worlds II. It will be a different location and a completely different experience, if and when it were to be funded.
What are your upcoming projects? And when we can expect to see them?
H: The next big thing is Ocean & Earth: Iceland. The artwork and short film are debuting November 9th at the Blue Ocean Film Festival. The artwork and motion assets then travel to multiple cities including Art Basel in Miami.
Between Worlds Exhibition will continue to travel to selected museums and locations throughout 2017. The full length documentary film will be releasing end of 2016 and then be on the 2017 film festival circuit.
Additionally, 2017 will see both my New Zealand and Sri Lanka Collections being released.
As for what’s next on the shooting calendar, all I can say is it’s somewhere in Southeast Asia.
Hace aproximadamente un año conocí al artista visual Henthorne en la Galería Willimas McCall, como parte de una exposición colectiva alrededor de Art Basel. En esa ocasión presentaba su trabajo BETWEEN WORLDS. Las atmósferas etéreas de sus fotografías en blanco y negro cautivaron mi manto.
Nos mantuvimos en contacto y cuando pudimos sincronizar su ocupada agenda, logramos realizar esta entrevista, donde conversamos acera de cómo llega a la fotografía, cuál es su proceso creativo y sus proyectos futuros.
¿Cómo te involucraste con la fotografía?
Henthorne: Mi primer acercamiento con la fotografía fue en la universidad. Como un amateur siempre tuve gran interés al respecto. Cuando comencé a viajar fuera del país (al terminar la universidad) desarrollé una auténtica pasión por tomar mejores fotografías. Empecé a compartir las imágenes de mis viajes y lento pero seguro, algunas personas se acercaron para decirme que deseaban comprarlas. Nunca inicié con esa intención, pero así fue como comenzó todo. Al suceder esto, decidí que debía mejorar mi técnica, fue entonces cuando tomé con mucha seriedad mi trabajo… Alrededor el año 2000. Las cosas se desarrollaron y progresaron en los siguientes cinco o seis años donde abandoné el mundo corporativo del software en IBM y decidí seguir mi pasión por tiempo completo. Me volví profesional en el 2006.
¿Consideras que el lugar y el tiempo de tu nacimiento afectaron tu visión del mundo? De ser así ¿Cómo?
H: No tanto el lugar y el tiempo como mis padres y hermanos. En mi niñez viajé mucho con mis padres y hermanos. Casi todos los veranos los pasábamos deambulando los Estados Unidos, sobre todo en Yellowstone y la Costa Oeste o en alguno de los increíbles parques nacionales. Creo que visité la mayor parte de los Estados Unidos para cuando había cumplido 10 años.
Este viajar intensivo ha definido totalmente quién-qué- y cómo soy hoy en día. Estos primeros viajes y excursiones influyeron en mi deseo de conocer el resto del mundo como adulto.
Lo más importante, mi fotografía es el deseo de compartir mis viajes y exploraciones con otros.
Así como todo comenzó… y continúa siendo la fuerza motriz de mi trabajo artístico.
Tu trabajo muestra una preferencia por el blanco y negro ¿por qué el color no es parte de tu obra?
H: Para mí, el blanco y negro proporciona una mayor profundidad de expresión artística. Como puedes apreciar en mis fotografías, mis imágenes tienden a ser minimalistas… También tienden a jugar con la abstracción. Cuando “doblo” el tiempo con mi técnica, usualmente crea una realidad alterna. Y quiero que esa realidad forme toda la composición. Para ponerlo más sencillo, las composiciones de imágenes en blanco y negro logran mantener la atención del espectador. No hay nada de malo con el color, pero con este puedes salir adelante con una composición que no es del todo perfecta. En mi mente, los colores brillantes son casi como hacer trampa.
Por muchas razones, el blanco y negro siempre ha resonado conmigo en mis imágenes. Hace muchos años tomé el compromiso de seguir este camino. Y es un camino que amo.
El agua es un tema recurrente ¿por qué eliges este camino?
H: Siempre recuerdo la cita de Arthur C. Clarke: “Que inapropiado es llamar Tierra a este planeta cuando claramente es un Océano.”
El agua lo es todo. Es una parte central de mi vida, ciertamente es mi pasión y por ello es un tema recurrente. Encuentro que la intersección entre océano y tierra es un lugar que ofrece retos. Esta batalla épica del océano que erosiona, quita las cosas y las vuelve a su lugar de origen. Para mí, estar dentro o alrededor del agua es lo que me motiva a despertarme cada día y hacer lo que hago. Hay una calma de tipo Zen que sientes cuando estás a la orilla del océano, ver, oler, sentir las enormes olas que se acercan… invoca todos los sentidos. Este sentimiento es para lo que vivo.
Las interacciones entre el paisaje terrestre y el océano son cuidadosamente seleccionadas ¿cuál es el proceso previo a fotografiar en sitio?
H: Muy buena pregunta. Creo que la gente asume por lo general, wow, que a veces tengo suerte… pero la realidad es que hay meses de planeación en cada una de mis series antes de que ponga el primer pie en el avión.
Mi herramienta básica es Google Earth. He sido un usuario desde que salió por primera vez. Así que ya te imaginarás como está lleno el mapa de alfileres. Cuando veo un buen sitio, arrojo un alfiler. He estado haciendo esto por mucho tiempo.
En realidad, tengo 5 o 6 viajes que están planeados en un 80 o 90 porciento. Eso no ocurrió de la noche a la mañana. Eso ha ocurrido a través de los años. Una vez que se consiguen los fondos para el destino, es cuando la verdadera planeación ocurre. Ese último 10 a 20 por ciento del acercamiento al sitio toma varias semanas de concentración. Mucha logística.
En mis mapas, hay muchos destinos seleccionados. Cada selección requiere una visita en persona para determinar si tiene todos los elementos que estoy buscando. Después de muchos años de hacer esto, la mayoría de los destinos son formidables, pero hay algunos cuantos que no funcionan por causas no previstas.
Una vez que un destino llega a la selección final, es tiempo de fotografiar. Entonces todo se conjuga en obtener el clima, el tiempo, la marea apropiados. El clima es un factor muy importante, en ocasiones toma un solo día fotografiar, en otros casos una semana entera… solamente para obtener una de esas imágenes que ves al final en mi obra…
Tus fotografías tienen una perspectiva monumental y una carencia de la figura humana ¿es esto un manifiesto de lo pequeño que es el ser humano comparado con el resto del mundo?
H: La ausencia de figuras humanas en mi obra tiene poco que ver con los humanos y mucho que ver con el océano. Mis temas del océano y la tierra tienen que ver con la omnipresencia del cuerpo de agua y su incansable habilidad para conquistar todo lo que le rodea. Ya sea un elemento natural o construido por la mano del hombre, el océano siempre gana… siempre conquista.
Además, deseo simplicidad y minimalismo en mis imágenes. Me encantaría tener una figura humana el alguna de ellas… sólo para proporcionar un sentido de perspectiva. Un sentido del alcance de su vastedad. Pero he decidido dejar eso fuera y permitir que los propios elementos hablen por si solos.
Simplicidad…
Siempre visualizamos el trabajo artístico como una tarea en solitario. ¿Qué tán importante es para el artista colaborar con otros? Pienso en específico en tu serie BETWEEN WORLDS con Andrés Amador.
H: Como artista he trabajado por mi cuenta casi de forma exclusiva. A inicios del 2014… se me ocurrió que colaborar con otros artistas sería estupendo. Mi idea era que… tal vez 1+1… tal vez podría sumar 3. Es decir, dos artistas trabajando juntos podrían crear algo mayor a lo que podrían hacer si crearan individualmente.
Decidí literalmente, hacer una lista de artistas con quienes deseaba trabajar. Lentamente comencé a contactar algunos de ellos y dos proyectos se concretaron. Ocean & Earth – Iceland un proyecto que se inauguró el 9 de noviembre de este año con el sorprendente cineasta y productor Brad Kremer. El segundo proyecto fue Between Worlds con el renombrado artista del paisaje Andrés Amador. Between Worlds se realizó en la costa norte de California y fue un esfuerzo mayor… tomó cerca de 6 meses en ejecutarse.
Diré esto, colaborar con otro artista es relación difícil. Se necesita colaboración genuina. Puedo decirte que en ambos proyectos la experiencia nos hizo crecer a todos. Trabajar con otro artista te fuerza a que hagas a un lado tu ego y concentrarte solamente en crear.
La experiencia nos impulsó creativamente y todos ganamos al colaborar.
Estoy planeando proyectos a futuro con otros artistas formidables. Además, Amador y yo estamos abiertos a Between Worlds II. Sería en otro destino y una experiencia diferente, siempre y cuando podamos conseguir los fondos.
¿Cuáles son tus próximos proyectos? Y, ¿cuándo podremos verlos?
H: El próximo gran proyecto es: Ocean & Earth: Iceland. Las fotografías y el cortometraje debutaron el 9 de noviembre en el Blue Ocean Film Festival. Este proyecto viajará a diversas ciudades incluyendo Miami durante Art Basel.
La exposición Between Worlds seguirá viajando en museos y destinos selectos en 2017. Un documental al respecto se proyectará a finales del 2016 y en el circuito de festival fílmico del 2017.
Además, en 2017 se lanzarán mis colecciones New Zealand y Sri Lanka.
Sobre que depara mi próximo destino a fotografiar, todo lo que puedo decir es que será en algún lugar del Sureste de Asia.
Omar Villasana. México (1972)
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