Hasta Mayo de 2015

Varios son los puntos a anotar en esta exposición. Ante todo, el que haya sido curada por Vicent Todolí, antiguo director de la Tate Modern, es un ejemplo distintivo de seriedad y conocimiento sobre la obra y la vida del pintor. Segundo, que la exposición evoque desde la cronología bastantes de los trabajos representativos de sus distintas etapas, ayuda al espectador de Miami a entender la evolución formal de Antoni Tàpies desde sus orígenes en el surrealismo hasta su periodo final ligado a la interpretación figurativa de las partes del cuerpo. Y tercero, el contraste que representa la obra del artista catalán relacionada con lo matérico, el deshecho, los colores casi acromáticos de los ocres, marrón, tierras o negros o la podredumbre como material de composición.

En fin, una mirada ambivalente a quien acuda, y vea por primera vez, la obra de este creador de mundos internos y anímicos. Algo así como un rechazo estético por falta de virtuosismo -recordemos que en su ensayo El arte contra la estética 1970, Tàpies ya  pretendía ir en contra de esta idea.

Como escuché de un espectador, no precisamente ignorante, el día que acudí a la exposición: “Esto parece arte primitivo de una cultura indígena urbana que hayamos descubierto hace poco en un guetto de cualquier ciudad del mundo”. ¡Bravo¡ Era evidente que le impactó la obra, pero también lo es, que no sabía donde ubicarla en el tiempo histórico.

En septiembre de 2014 publiqué un artículo sobre Antoni Tàpies, del cual quiero destacar el primer párrafo para que nos demos una idea de quién fue este rebelde del concepto. Este inconformista puro en sus planteamientos artísticos. Y este iconoclasta y representante, sin duda, de los movimientos abstractos (informalistas en Europa) más comprometidos con los movimientos sociales y políticos del momento. A finales del franquismo, fue detenido en un acto comunitario contra la dictadura, en el famoso monasterio de la Virgen de Montserrat en Barcelona.

Su apellido fue su principal investigador (Tàpies en catalán es sinónimo de “muros”). Y como Cy Towmbly o Basquiart, se fijó en todas las paredes callejeras que había a su alrededor. Puso las manos en ellas y se ensangrentó en silencio con las rugosidades de la arena, las deformaciones del yeso, la espiritualidad líquida del barniz, la quietud del concreto… Hasta que fue su propia “pared “ la que originó un estilo y un modo de sentir muy ligado a sus creencias religiosas y espirituales: el budismo zen.

Quiero destacar seis obras que, por la proximidad a Catalunya, el cual él está muy ligado por su origen, el amor a su naturaleza y la devoción al país, las he conocido desde la cercanía. Obras que además ocuparon mi curiosidad con preguntas y lirismos llenos de gozo y de denuncia.

Obra 1 Mans i bastó (Manos y bastón) 1975.

La relación del artista con los elementos de articulación que se desprenden del cuerpo (brazos, manos, pies, piernas, codos…) están integrados en su enciclopedia de vida. Aquí la imagen es ornamental y fresca. Manos y objeto están en un mismo plano. La sencillez del bastón y su impronta en la obra es un signo de vitalidad y a la vez una señal de que el tiempo transcurre hacia abajo.

Obra 2 Pila de mantes (Pila de mantas) 1993

Tanto Josep Beuys y Millares, relacionados como Tàpies con el art brut de los años 70, utilizaron la calidez que da la manta militar,  apilada en este caso, como elemento de supervivencia y a la vez como huella de desolación y pobreza social. La letra T tan relacionada con su apellido y asociada aparentemente aquí a la cruz-roja (blanca) transpira un sentimiento de ayuda y de hospicio al mismo tiempo.

Obra 3 Porta roja (Puerta roja ) 1995

La puertas, son utilizadas como homenaje a la filosofía existencial – ¿que hay detrás de una puerta sino una pregunta?- que tanto le influyó, sobretodo a su predecesor en esta ideología, Nietzsche. El valor que da Tàpies a la verdad y a lo real, sin trampas visuales, es lo más cercano a su obra. Aquí la puerta de esta ventana está obstruida. Dos ojos nos miran en busca de un intento. Una sombra carbonizada quizás nos previene de abrirla de par en par. ¿Abrir o cerrar? …that is the question

Obra 4 Transfiguració (Transfiguración) 1994.

Este sujeto es ambiguo: sus partes sexuales confieren un género. Su posición sedente otro. La arpillera parece que adopte una posición de recibir…puede ser el propio ano o los testículos. Una camiseta blanca que sale de sus brazos, descubre un cuerpo más cercano a lo frontal que al de perfil. El barniz patina. Cualquier apreciación que no sea el impacto que produce contemplar esta imagen, entre senil y soleada, queda diluida.

Obra 5 Portes cobertes (Puertas cubiertas) 1996.

Unos ventanales rotos y sin vidrios se cubren con la humedad de una tela. Alguien la ha levantado como si fuera a descubrir qué hay detrás del umbral . Una cruz caída con la firma del autor (at) enmarcan posiblemente una existencia que fue. y ahora es develada. Acercarse a esta obra en vivo, le incita a uno a sacar su envoltura y permitir que otro-aire penetre en el nuevo espacio. El hedor a “guardado y a vivido” es tan dulce como repelente. Una pieza cercana a lo ascético de un ser que sostiene su pasado, y deja al observador la posibilidad de que entre en su mundo, a través de una rendija donde pase la luz.

Obra 6 Embolcall (Envoltorio) 1994

En mi infancia, los vagabundos en Barcelona llevaban un mocador de fer farcells. Un trapo que servía para reunir todo aquello que tenías en tu vida y viajar con ello hasta el fin del mundo. Pues bien, algo parecido en significado hay en esta pieza. El acto de envolver (wrapping) es central. Lo que guarda lo desconocemos. Todo y que, el material de arpillera, ya destapa su valor en sí mismo. La alfombra está como arrancada de cuajo de este suelo negro casi mortuorio. Hay señales de vida: la cruz blanca y el graffiti suelto en la parte superior, son un ejemplo.

Básica para todo aquel que necesite entender el arte del último tercio de fin de siglo XX. Una mirada hacia el informalismo, que se contrapuso a la Escuela de Nueva York. después de la II Guerra Mundial. Una muestra, como dice el titulo, concebida desde dentro. Es decir, con aquellas piezas mayoritariamente de su colección privada que hablan de su interior, su espiritualidad como artista y una manera de entender mejor, desde el área teórica del arte, que son los objetos y las ideas con relación a nosotros mismos .ER