Nagari estuvo en el taller Miami Press Workshop del artista plástico y grabador cubano Víctor Gómez, para conversar con él y conocer más acerca de su trayectoria y su obra.
Víctor me recibió muy cálidamente. Apenas entré, pude sentir toda su energía creativa. Lo primero que hizo antes de comenzar con la charla, fue obsequiarme uno de sus trabajos que ya tenía listo para mí. Fue algo que me tomó por sorpresa. Emocionada, desenrollé su obra con mucho cuidado y demás está decir que quedé enamorada de ella. Soy una gran admiradora de sus trabajos. Enseguida, con gran alegría, la visualicé en una de las paredes de mi hogar.
N: Víctor ¿cómo y cuándo comienza tu interés por el arte?
VG: Todos los seres humanos pasamos como es natural por la niñez, todos los niños son artistas, ellos reproducen lo que ven y a veces lo hacen con más gracia y espontaneidad que los adultos. En esa etapa, fui uno de esos niños artistas, pero después pasó el tiempo y vinieron otros intereses. Como es natural, surgen otras cosas en la vida y uno se aleja, ahí es donde muchos artistas infantiles se desvían hacia otros derroteros.
A los diez y ocho años iba caminando por detrás del Capitolio Nacional donde había un local del Círculo de Bellas Artes, allí hacían exhibiciones de arte sistemáticamente. En ese momento tenían una muestra de marinas del pintor Felipe López el cual trabajaba a la espátula; dicha muestra me llamó la atención por su calidad y empastes. Esas obras hicieron renacer en mí esa inclinación que tenía de pequeño. Seguidamente compré materiales y de inmediato me matriculé en la Academia San Alejandro. De ahí en adelante comienza mi trayectoria.
N: ¿En qué año llegaste a Miami?
VG: Yo tuve una década de vida profesional en Cuba, del 70 al 80. En el 80 vine por el Puente Marítimo del Mariel y fue cuando comencé aquí. A veces uno sueña…cuando estaba en Cuba, sin ninguna posibilidad de salir y sin saber cómo era esto aquí, yo me imaginaba que estaba haciendo grabado en una habitación no muy grande dentro de un apartamento. Cuando llegué, me percaté que tenía que tener una prensa, y las prensas son costosas, por lo tanto, estuve seis años esperando hasta poder adquirirla.
N: ¿Y cómo fueron esos años?
VG: Cuando un artista nuevo llega a cualquier comunidad, la gente lo ve como novedad y en esa etapa del 80 hasta el 83 por esta razón, vendí bastante, esas ventas me permitieron establecerme, familiarizarme con el medio y conocer nuevas galerías.
N: ¿Cuándo fue entonces que pudiste comenzar con el grabado en Miami?
VG: En el 86 pude comprar mi prensa y fue cuando empecé a trabajar en los monotipos, que realmente es una técnica que cuando yo estaba en Cuba -los grabadores ortodoxos- la veían como un híbrido, y realmente lo es; no es grabado ni es pintura, es una mezcla de ambas, es decir, tiene parte de gráfica y parte de pintura. La monotipia no ha tenido seguidores en el ámbito cubano del grabado, el cual es tan prolífero y goza allá de gran desarrollo. Esta técnica ha sufrido de injustos prejuicios, ya que muchos argumentaban que se basaba en efectos de accidentes y no del debido control del creador sobre ella. Yo sin pretenderlo, he sido el único artista cubano de todos los tiempos que ha abrazado la monotipia como su forma principal de expresión.
N: Evidentemente ese preconcepto de los grabadores cubanos no te llegó a afectar. Cuéntame por qué decidiste usar la monotipia.
VG: Yo vine con mi experiencia en el Taller de la UNEAC (Unión de Escritores y Artistas de Cuba) y con los criterios que manejaban esos grabadores. Aquí, me matriculé en un curso de litografía, el cual yo había empezado en Cuba. Al comenzar las clases, la profesora me dijo: Víctor, el sistema donde se granean las piedras no está funcionando, por lo tanto, en este semestre no vamos a hacer nada en litografía; entonces me sugirió coger una plancha y hacer una monotipia. Teniendo el preconcepto que había adquirido en Cuba, le dije que no me interesaba eso. Ella insistió diciéndome que iba a perder mi dinero porque no iban a dar otras clases, entonces yo cogí mi plancha e hice mi primer trabajo, lo pasé por la prensa y cuando lo levanté me enamoré a primera vista de esta increíble técnica que cambió el rumbo de mi carrera para bien.
N: Víctor me relata acerca de su agradecimiento hacia un viejo compañero de escuela en Cuba, con el cual se encontró aquí de manera casual en una reunión. Fue quien lo ayudó económicamente a cumplir con su sueño de tener la prensa.
Cuéntanos de tus comienzos cuando inauguras Miami Press Workshop en 1986.
VG: Cuando adquiero la prensa, se me ocurrió publicar a algunos Maestros y artistas cubanos contemporáneos en la técnica de la serigrafía, llegaron a ser treinta y nueve, de los cuales algunos de ellos tengo más de un proyecto serigráfico, como es el caso de: Mijares, Cundo Bermúdez, Mario Carreño, Agustín Fernandez, Guido Llinas, Hugo Consuegra, Carmen Herrera, Rafael Soriano y muchos más. Trabajé desde 1990 hasta el 2010 en esta actividad editora, a la vez que continuaba enviando mi obra a eventos internacionales. Todo este esfuerzo me permitió inaugurar en 1995 junto con Magda Trujillo, la galería Cuban Collection Fine Art en Coral Gables, que se mantuvo abierta hasta el 2000.
N: ¿Cómo ha sido tu trayectoria con la monotipia?
VG: Yo le estoy muy agradecido a esta técnica pues ha sido bien generosa conmigo, con ella he podido participar prácticamente en el mundo entero. No tanto aquí en Miami, la cual hasta el momento no se ha convertido en una metrópolis del grabado, como lo es New York, California, Europa, Argentina, donde justamente he participado en eventos bienales.
Lo que me pasó aquí contigo, me pareció muy sui-generis, nos presentó Willy Castellanos en la galería de Aluna Art Foundation y enseguida me pediste que te mandara mis trabajos, y varios de ellos fueron publicados en Nagari impresa # 4, abriendo las portadas de las diferentes secciones de la revista. Esto nunca me había sucedido en Miami. Pero como te decía, esta técnica me ha permitido enviarla a bajo costo a China, Japón, España, Portugal, Nueva Zelandia, Taiwán, Canadá, Sur América y el Caribe.
N: ¿Es diferente la visión del grabado en esos países?
VG: Cuando tú participas en eventos de Japón, China, Taiwán y Europa, sobre todo los países asiáticos, le brindan un respeto rotundo a la técnica del grabado, realizan esplendorosas inauguraciones y foros alrededor de la muestra, excelentes catálogos, que no se ven aquí en América. Es justo reconocerlo, existe una tradición centenaria detrás de todo esto. Tuve el privilegio de ser invitado a participar en el Programa de Artistas Residentes de la Base de Grabado de Guanlan, Shenzhen, China en 2011 y 2012. Invirtiendo un mes de trabajo en cada una de estas invitaciones.
N: ¿Puedes describirnos esa experiencia?
VG: Es un enorme taller, equipado con absolutamente todo lo necesario en cuanto a equipos y materiales relacionados con el grabado. Invitan a artistas destacados en las diferentes técnicas y provenientes de diversas partes del mundo, incluyendo a los artistas chinos que también son invitados. El taller te ofrece además de la instalación, unos estudios en la segunda planta del taller, donde los creadores realizan sus trabajos y posteriormente los bajan a la primera planta donde se encuentran las prensas para proceder a imprimirlos. Yo quería estar cerca de la prensa, vi una que me interesó y pedí trabajar al lado de ella, me ofrecieron una mesa a esos efectos. Como este taller es una joya para el gobierno chino, constantemente están visitándolo funcionarios de todo el país, a quienes traen en excursiones. Como trabajaba muy cerca de los pasillos, los visitantes y los artistas invitados constantemente pasaban cerca de mi mesa de trabajo y ojos expertos al pasar, revisaban con curiosidad lo que estaba haciendo. Esta exposición frente a ojos bien educados hizo que yo tuviera que sacar lo mejor de mí en esas circunstancias, esto produjo un crecimiento en la calidad de mi trabajo.
N: ¿Cómo se inicia el proceso de cada una de tus obras?
VG: Mi trabajo lo hago en una plancha de cobre muy fina. Desde que estuve en China es que empecé a utilizarla, antes lo hacía en una plancha de acrílico, pero utilizando la de cobre me agrada más como luce el embozado de la plancha en el papel.
Nunca he hecho un sketch o bosquejo previo, mi obra es la suma de todas mis experiencias formales anteriores, las cuales van acompañadas de un trabajo intuitivo y gestual. En etapas anteriores pasé por diversas formas de expresión, desde el paisaje hasta el expresionismo. Después de incursionar en estos diferentes caminos creativos, en mi abstracción es donde más cómodo me siento y donde puedo manifestar mejor mi estado de ánimo. He perdido completamente el interés por mostrar la realidad, me siento más a gusto navegando por la búsqueda de nuevas formas inexistentes, es para mí como descubrir nuevos mundos.
N: Por lo que me describes, esa conceptualización en tus trabajos es muy instintivo y emocional. En tus obras, se puede apreciar esa sensibilidad que vuelcas en cada una de ellas.
VG: Una de las herramientas más importantes que debe tener un artista en el desarrollo de su trabajo es el sentido autocrítico, para mí cada vez que me enfrento a un nuevo trabajo, con la plancha vacía de imágenes y trazos, se establece el más hermoso de los retos, el cual es, rigurosamente, exigirte el máximo de tus capacidades en cada uno de tus intentos creativos, exprimir todas tus posibilidades y experiencias técnicas y creativas en aras de dar lo máximo de ti.
N: ¿Una curiosidad que siempre llega a mi mente: el título viene antes o después?
VG: Los títulos y muchas apreciaciones sobre un arte hechas incluso por los críticos, en muchas ocasiones no tienen nada que ver con la obra, por supuesto hay que darle un título para poderlas identificar, incluso catalogar, pero para mí esa es toda la importancia que tiene. En ocasiones encuentro buenos títulos y los guardo para bautizar futuras obras. Por eso me gustan las series, para las cuales busco un solo título y luego numero cada una de las obras.
N: ¿Además de la plancha metálica, las tinta y la prensa, que otros elementos entran en juego en esta técnica?
VG: Como es natural, en el grabado los rodillos juegan un papel muy importante, pero la monotipia acepta cualquier cosa que pueda producir un efecto positivo o negativo, espátulas, cartones, pinceles, trapos y un largo etc.
N: ¿Cuántas etapas lleva el proceso de cada obra?
VG: Mi obra la realizo en dos etapas, la primera es lo que hago en la plancha y después imprimo. En esta primera etapa realizo entre el 40 y el 60% de la imagen, cuando llega a un punto determinado limpio bien los bordes de la plancha para que el plate mark quede nítido -lo cual es un paso importante para el resultado final- esto es vigilado por los jurados. Después de esto, paso la plancha con un papel húmedo encima a través del tórculo. Terminada la impresión, llevo el trabajo a una tabla de secado, donde la continúo diseñando y trabajando manualmente, corrigiendo áreas y adicionando nuevos efectos con rodillo, pincel y lápices.
N: ¿Cuéntanos un poco acerca de todos esos concursos internacionales en los que has participado?
VG: Empecé esa actividad competitiva internacional a partir de 1990, cuando una grabadora me habló de un evento en Osaka, Japón, entonces envié una pieza de la serie Actitudes del Corazón, me seleccionaron y posteriormente me premiaron, fue mi primer premio internacional de los cuales ya atesoro ocho. Después me volvieron a premiar en el 96 en Kochi en Japón y nuevamente en Tama Art University 1998, Tokio, en Beijing China en 2003 y el más reciente en la Habana, Cuba, 2016, donde recibí uno de los cuatro premios otorgados en este Noveno Encuentro de Grabadores, residentes de la isla y fuera de ella.
Hace poco me invitaron del Taller Experimental de Gráfica en la Habana para una muestra que se celebrará en septiembre del próximo año, titulada Hablando en Abstracto, donde participarán artistas de la talla de Antonio Vidal, Girona, Rigoberto Mena, Pedro de Oraá y la desaparecida Antonia Eiriz.
N: ¿No hay una próxima exhibición aquí en Miami?
VG: Por el momento no, estoy tratando de realizar un evento local, pero todavía está en los trámites preliminares. Tengo páginas en la web y agentes que mueven mi trabajo. Ahora mismo estoy exhibiendo ocho piezas en NordArt, que es el evento más importante en el noroeste de Europa, se lleva a cabo en Büdelsdorf, Alemania, me escogieron entre 3000 artistas del mundo para exhibir solamente a 200, esta muestra se inauguró en junio y estará abierta hasta el 7 de octubre de 2018.
N: Para terminar: ¿Qué es el arte para ti?
VG: Pudiera decirte que el arte para mí ha sido mi gran compañero de camino, con él he triunfado, he sufrido, he fracasado, he viajado, he amado y he sido feliz, es una forma de canalizar tus experiencias y emociones, cada vez que termino un arte, siento que mi familia crece.
N: Quiero agradecerte Víctor, por abrirnos las puertas de tu taller y por esta charla maravillosa que nos ha dado la oportunidad de conocerte más a ti y a tu obra. Quiero cerrar esta nota con esta frase tuya que has compartido conmigo:
“Las artes plásticas, si hay que explicarlas, dejan de serlo, se convierten en literatura”.
¡Muchas gracias!
Alejandra Ferrazza
